(Batman) The Dark Knight

Batman siempre fue mi superheroe favorito: no tiene superpoderes pero es muy inteligente y, además, utiliza su dinero (que es infinito) para ayudar a la gente. Es como el Zorro, pero mejorado. Se viste de negro, su nombre hace referencia a un animal sigiloso y oscuro, y su cuartel general es una cueva oscura con todos los gadgets que puede diseñar el dinero. Cierto que comencé a ver a Batman cuando Adam West se vestía de morado (o de cualquier otro color, recuerda que soy daltónico) y cuando andaba por ahí mostrándose extrañamente ligado a un adolescente en mallas que vivía con él en su mansión de soltero, pero en ese entonces sus costumbres no me molestaban. Disfrutaba los colores, los episodios que terminaban con Batman y Robin amarrados sobre una olla hirviente a punto de morir y adoraba como el guasón se reía de sus propios chistes malos. Luego apareció el Batman de Tim Burton, oscuro, vestido de miedo y noche, rodeado de soledad y sin adolescente caliente metiéndose en su cama de noche. El guasón fue brillante, casi tan brillante (interpretado por Jack Nicholson) que pensé que nadie podría hacerlo mejor. Luego pusieron al segundo peor director de la historia (el primero es Michael Bay) a dirigir el resto de las películas pobres de Batman. El Acertijo y Dos Caras me parecieron ridículos, pero nada como Schwartzenegger vestido del doctor frío y de la deprimente Hiedra Venenosa (que parece que se les acabó el dinero para hacer un vestuario y maquillaje decente para tal personaje). Joel Schumacher de verdad es lo peor, y George Clooney como Batman era un chiste (que solo da risa luego de ver la película miles de veces, cuando entiendes que es una burla de si misma, pero deprimente).
En el devenir de las películas de Batman (que puedo recordar, pues otras películas se hicieron antes de yo nacer o recordar) apareció Christopher Nolan, el director de Memento y de The Prestige (dos de las mejores películas que he visto en mi vida) y le hizo un Reboot a la franquicia de Batman EMPEZANDO DESDE CERO. Batman Begins me pareció sorprendente. Una trama mucho más compleja, cuando el enemigo es el maestro, cuando se respeta al enemigo, cuando el miedo es el ingrediente que batman debía entender. La siguiente producción de Christopher Nolan de Batman, la que estoy comentando en este momento fue "The Dark Knight".
La película tiene sus pros y sus contras. Muchos dicen que es excelente, pero yo pienso que el personaje mal armado de Dos Caras (¡siempre Dos Caras tiene que ser tan despreciable para mi?) la dañó mas alla de todo daño. El efecto especial chimbo de la cara de Dos Caras, la falta de pus, el movimiento coordinado de la cara despues de la quemadura, el movimiento excelente de sus músculos faciales, la manera correcta de hablar con los labios calcinados dañaron el personaje y me hicieron odiar la película. Particularmente me parece mala, pero en lo mala hay una joya: Heath Ledger como el Guasón. El personaje creo que pudo haber sido interpretado por cualquiera (Heath Ledger era un cualquiera en el mundo de la actuación, y de verdad me hubiera gustado que otro lo interpretara, porque el respeto que sentí por él mientras vivía era el mismo que el que siento por Tom Cruise o por Michael Bay), pero el personaje estaba muy bien escrito y Heath puso todo en el papel. De verdad lo hizo muy bien.
El Guasón de Nolan es un ser anarquista y cree en la descomposición social. El Caos es su religión. No quiere dinero, no quiere fama, solo quiere que todo se destruya y ver el mundo caer desde un punto elevado. No tiene planes para el mundo después del Caos. No piensa en el día luego del Juicio Final. Solo espera y busca que el mundo colapse. Y por eso es la antítesis de Batman, por eso Batman tambalea intentando derrotarlo y no puede. Porque la mente de Batman es la mente de un millonario científico que defiende a los menos afortunados desde la oscuridad y desde el batimovil de millones de dólares equipado para luchar contra gente que busca enriquecerse, mientras que el Guasón se mueve fuera de ese patrón. El Guasón derrota a Batman una y otra vez, hasta que Bruce Wayne entiende que su dinero tiene que pagar: debe saturar el ambiente con su dinero hasta que el Guasón quede ubicado por su moderna red de hackeo y GPS. Yo siendo Batman, lo hubiera matado cuando hubiera tenido la oportunidad, pero el Caballero de la Noche es demasiado moral para quitarle la vida al loco. Y allí está su perdición. Batman atrapa al Guasón por suerte, porque el Guasón espera que la gente sucumba al Caos sin resistirse y eso ciega su visión del plan más grande. Yo siendo el Guasón me hubiera resistido a observar el Caos que estaba ocasionando. Batman, en un golpe de suerte y de su poderosa armadura y tecnología logra detener al Guasón pero sabe que aún allí está siendo derrotado por la mente maestra. Simplemente el Guasón es demasiado para él.
La escena que elegí? la que muestra la locura del Guasón, vestido de enfermera, volando el hospital central de ciudad Gótica. La locura fue bien interpretada, me duele decirlo, por el actor mediocre, teniendo un día de gloria en su pobre carrera. Jack Nicholson ya no es el mejor Guasón de todos, ahora es Heath Ledger.

 

Bram Stoker´s Drácula

En la época en la que las adolescentes (y los adolescentes) mueren de amor por Edward Cullen y todas las estupideces de la historia romántica más sosa desde la creación de las historias romanticas (La insoportable Crepúsculo), yo me referiré a una verdadera película de Vampiros, basada en un verdadero libro de vampiros.

Francis Ford Coppola, el mismo director de “El Padrino”, le hizo un regalo al cine con esta obra maestra. Es una de las pocas películas que he visto en las que el director entendió que el cine es un conjunto de imágenes en movimiento y que como tal, debe respetarse el detalle de cada foto que conforma al cuadro en general.

Drácula, el vampiro más conocido a nivel mundial, tiene una historia que casi nadie conoce. Esas imágenes de Drácula vestido de frac quedaron grabadas en la mente de la gente durante muchos años, pero Coppola se tomó la libertad de recordarnos que el libro no trata de eso. Trata de un ser, casi tan poderoso como el demonio, que está atado a su propio destino y decisiones, persiguiendo a Mina Harker para convertirla en su consorte inmortal e infernal. El giro más interesante que Hizo Coppola con la historia fue hacer que Mina y Drácula estuvieran enamorados, pero enamorados por la reencarnación, pues Mina fue el amor y motivo por el cual Drácula se condenó a si mismo hace cientos de años.

Drácula, el vampiro del inframundo, el vinculo del infierno con la carne, enamorado desde tiempos inmemoriales, condenado a vivir el destino de la sangre y la muerte por amor. Es un giro que seguramente nadie se esperaba. La historia es esencialmente igual que en el libro, Jonathan Harker es enviado hasta la casa del Conde Drácula para elaborarle unos documentos de compra y venta de tierras, y es encerrado por Drácula y atormentado por vampiros súcubos hasta que logra escaparse, pero Drácula ya ha comenzado a viajar en busca de Mina, la que desea le acompañe. Drácula toma entonces el cuerpo de la mejor amiga de Mina, Lucy, y lo abduce y lo convierte en un vampiro. Luego comienza la casería del demonio, dirigida por Van Helsing (nada parecido al personaje que hizo alguna vez Hugh Jackman, un desperdicio de inversión en una película), hasta que al final Drácula es destruido en su propio castillo.

 

¿Cómo llevar a cabo esta película y convertirla en una obra maestra? Haciendo los detalles demasiado importantes. Es una película de imágenes recargadas, con colores muy intensos, muy parecida a una pesadilla o a una alucinación, con actuaciones excelentes. Anthony Hopkins es Van Helsing, Winona Rider es Mina, Keanu Reeves es Johathan y Gary Oldman es Drácula en todas sus presentaciones, y son varias… Gary Oldman es el Drácula joven que no se ha maldecido, es el Drácula viejo, de peinado extravagante,  es el Drácula murciélago, El Drácula hombre lobo, el Drácula derretido, el Drácula moderno. Los logros de maquillaje de esta película son sorprendentes.

La escena que elegí: el comienzo de la historia. La maldición del conde Drácula, su elección de convertirse en el príncipe de las tinieblas. Muy explicativa.

 

La historia sin fin (the neverending story)

En el año 1979 (el año en que yo nací) Michael Ende publicó el libro "La historia interminable". Michael Ende es un escritor alemán, y la novela está escrita en alemán. Cinco años después, la adaptación del libro llegó a la pantalla grande. Cuando fue estrenada, yo tenía 5 años. En ese momento de mi vida, obviamente no había podido leer el libro y no pude entender las implicaciones de la trama, el guión y la dirección, pero adoré esa película. Es la primera película que recuerdo haber visto. Seguramente la adoré por el perro-dragon Falkor.

La historia sin fin cuenta la historia de Bastian Balthazar Bux (BBB) que recibe un gran libro que él ignora que es mágico. El libro recibe el nombre de “La historia sin fin” y en la cubierta presenta el sello Auryn conformado por dos serpientes entrelazadas. Bastian, perseguido por los niños grandes del colegio que lo golpean y molestan, se encierra en un ático de la escuela, donde se entrega al placer del niño introspectivo e introvertido que era: La lectura. Abre el grandioso libro y comienza a leer una historia dentro de la historia: Atreyu, el guerrero adolescente, es convocado por la emperatriz del país de Fantasía, para que evite el caos y destrucción en la que se encuentra sumido debido a “la nada”. La misión de Atreyu es simple: Viajar hasta los confines de fantasía y encontrar un niño humano; solamente un niño humano puede ponerle un nuevo nombre a la Emperatriz Infantil, y con ello salvar al país de Fantasía. Bastian lee como Atreyu empieza su viaje, protegido con el sello de la emperatriz, Auryn, colgando en su cuello. Atreyu recorre toda fantasía, perseguido por Gmork, el esbirro de “la nada” encargado de luchar contra Atreyu y hacerlo fracasar. Bastian lee a Atreyu y a sus aventuras durante una historia de fantasía épica, intentando buscar al niño humano, hasta que se da cuenta que lo que Atreyu está viviendo lo que él está leyendo, está sucediendo en realidad. El libro se escribe a medida que Bastian lo lee, y el niño humano que puede salvar a Fantasía es él. Solamente le queda creer que es verdad.

Tuve la oportunidad de leer el libro. El libro lo leí cuando era un adolescente, y fue una experiencia apenas superada por algunos de mis libros favoritos. El libro es infinitamente mágico, épico, creativo. La película trata solamente de la primera parte del libro, que yo llamo “El rescate de Fantasía”, y es la parte más intensa de todo el libro. La lucha de Atreyu, personaje que existe solo en una hoja de papel, para rescatar y salvar a Fantasía, sus luchas y su determinación, su sufrimiento y sacrificio por salvar los dominios de la Emperatriz Infantil, la magia de Falkor, el Dragón de la Suerte, la lucha contra Gmork, los efectos especiales, solo recordar esta película me da escalofríos. Esta es la película de mi infancia, la que he visto mil veces, con la que he llorado desde que era niño hasta la adultez. Esta es la película con la que aprendí a ver historias de fantasía, con la que aprendí la importancia de la lectura, con la que soñé y todavía sueño.

“La historia sin fin” es una historia de destrucción. “La nada” logra apoderarse de toda fantasía para el momento en el que Bastian decide ponerle un nuevo nombre a la Emperatriz Infantil. En ese momento, solo queda un grano de arena de Fantasía que está en la mano de la Emperatriz. Atreyu casi fracasa en su hazaña de convencer a Bastian, desde su viaje en el libro que él leía, de que la historia que acontecía era real, y que él era el único capaz de salvar a Fantasía, el mundo mágico donde toda nuestra imaginación vive. Durante el viaje, Atreyu tiene que ver morir a sus amigos y a todo lo que ama. Menos mal que la historia tiene un desenlace alegre, porque yo siendo niño no creo que lo hubiera soportado de otra manera.

La escena que elegí de esta película es la del pantano de la desesperación: Atreyu y su fiel amigo el caballo Artax, llegan al pantano buscando un consejo para llegar a los confines de Fantasía (pero fantasía no tiene límites, Atreyu). El pantano induce tristeza, y mientras mas triste te pones, más te hundes en el pantano (Es una trampa de la que no se puede escapar con vida). Atreyu viaja protegido por Auryn, pero Artax, lamentablemente, no tiene esta protección.

La Naranja Mecánica (A Clockwork Orange)

Otro post de una película de Stanley Kubrick.
Como dije anteriormente, Stanley Kubrick fue el mejor director de cine de Hollywood, y como dije anteriormente, decir que alguien es o fue el mejor director de cine, produce efectos encontrados entre la gente. Sin embargo, me atrevo a decir esto por varios motivos: Stanley Kubrick pensaba con excesivo detalle todas sus escenas, la música, las tomas, el vestuario, la iluminación; pensaba en el impacto del guión, miraba los efectos de la su película sobre su propia vida y sobre la vida de los actores; elegía historias profundas, y con personajes complejos; hacía críticas sobre la evolución de la sociedad, es decir, hacía una obra de arte, y lo hacía con todas sus películas. Ya mencioné una de las mejores películas de todos los tiempos: Dr. Strangelove. Ahora mencionaré acerca de otra, cuyo nombre han previsto en el título de este post: La Naranja Mecánica.
A Clockwork Orange fue filmada en el año 1971, hace más de 38 años, y la estética y la narración es tan atemporal que parecerá nueva todavía dentro de varios años. Tengo que confesar que, a pesar de ser fanático del cine, no tuve la oportunidad de ver esta película sino hasta hace 4 años mas o menos, y estuve impresionado de la calidad y la visión del director. Escenas crueles y despiadadas y actuaciones ejemplares, además de un tema controvertido aún en la actualidad como lo es el conductismo. Siendo docente, me impresiona que en estos tiempos, se están planteando alternativas nuevas al aprendizaje por adoctrinamiento, y ya Stanley Kubrick elegía un libro hace 40 años para hacer su propia crítica.
A pesar de estar hablada en inglés, el autor del libro inventó palabras para las expresiones juveniles, ya que no quería que el paso del tiempo afectara su obra al usar las palabras de moda entre los jovenes ingleses. Eso hace que la película tenga un lenguaje propio y muy interesante. La historia muestra que la crueldad no es nueva, como muchos creen, y ya hace mucho tiempo la sociedad se estaba pudriendo desde adentro.
No describiré la trama, simplemente diré que esta película es una referencia para todos aquellos que nos gusta el cine. Proximamente postearé un comentario de "The Shining", adaptada de un libro de Stephen King, también dirigida por Kubrick, también una obra maestra.
La escena muestra como Alex, interpretado por Malcolm McDowell, y su grupo de amigos disfrazados como supervillanos ultramodernos, irrumpen en la casa de una pareja y los torturan y violan solo por placer. Es una escena cruel, excesivamente realista. Kubrick sometió a Malcolm a varias escenas muy difíciles de filmar, y este actor tuvo que sufrir asfixia, ceguera temporal y muchos malestares para poder conseguir el producto que la creatividad y la genialidad de Kubrick quería lograr.
A Clockwork Orange, para decir "tan raro como una naranja mecánica" o como se pierde la voluntad a través del condicionamiento.

TRON

Tron es una película de Disney, del año 1982, así que no pude verla sino hasta varios años luego, tal vez el 1988, porque en su estreno tenía menos de tres años de edad. La ví por primera vez y yo estudiaba primaria, pero considerando que Episodio IV lo estrenaron y yo no había nacido, entonces no es una película que haya esperado tantos años para poder ver. En el año 1982 no existían las computadoras (no como se entienden hoy) y las que existían eran unos potes. Veamos, tuve mi primera computadora cuando tenía 10 años de edad, en el 1989, y la computadora era último modelo, pero su memoria RAM era de 64KB y su disco duro tenía capacidad para 20 megas, y aún así era la envidia de mis compañeros… 20 megas y 64KB. Ni siquiera puedo correr un antivirus con 64KB de memoria RAM. Bueno, eso era el mundo de las computadoras en el 89, imagínense 7 años antes, en 1982. Hacer MATRIX en el 82 era hacer una película animada, pues lo que ahorita se intenta lograr a computadora, antes se hacía dibujando a mano. Aquí aparece el primer gran logro de TRON: es la primera película en hacer uso extensivo de la animación a computadora, cuando las computadoras eran menos que nada. El estilo visual de la película es muy llamativo (cuando están dentro de la computadora) y a pesar de la trama ser bastante simple y levemente inspirada en el señor de los anillos, la intención me parece que estuvo muy bien. Todas las personas que han visto TRON recuerdan haberla visto. Y todas las personas que han visto TRON recuerdan la escena con las motos.

La historia de TRON es parecida (yo digo que inspirada) al Señor de los Anillos. El control maestro (Sauron) controla a las computadora y a los programas que en ella se ejecutan, y solo Tron puede detenerla, con un disco (el anillo) que al ser lanzado en un lector, destruirá al control maestro y formará una época de paz y armonía en la computadora. El protagonista solo es el mago (Gandalf) que carece de la sabiduría de las interacciones dentro de la computadora pero que es un programador en el mundo real, así que sabe como ayudar a vencer al control maestro. Dije que la historia era simple, y lo demostré. Hay un malo, un bueno, un esbirro y un TRON, el salvador del mundo.

Vayamos a lo que nos interesa: La escena de las motos. A pesar que una escena como las motos de luz ahorita supongo que la pueden hacer en cualquier serie de televisión o en cualquier canal del mundo, en ese entonces no era nada fácil. Disney utilizó animación a mano y a computadora para lograr la escena. No discutiré los logros tecnológicos usados para filmar TRON, pero el producto en general es visualmente impactante el día de hoy. Esto demuestra que las ideas están más allá de las limitaciones de los tiempos. Están grabando una secuela de Tron para el 2011, y seguramente la veré, por la memoria que me produce esta película

Las motos: las motos se movían a velocidad incomparable, dejando un rastro, una pared, a su paso. Esta pared es impenetrable mientras la moto está en juego. El objetivo del juego es vencer a los oponentes haciendo que choquen sus motos con las barreras o con la estela que se va dejando. ¿Recuerdan el juego SNAKE en los celulares?

No comentaré nada más, puesto que lo único que salva a TRON es su estética y la creatividad de los juegos que forman parte de la trama.

Estoy en mi época de Ciencia Ficción.

 

Star Wars: Episodio III

Es innegable que Star Wars es la saga de películas más conocida en el mundo. Star Wars es un producto que ha traspasado la barrera de la pantalla, que ha llegado más allá de las películas, y George Lucas, su creador ha sido uno de los mejores publicistas para su producto. Han salido un número incalculable de juguetes, espadas, disfraces, máscaras, cartas coleccionables, figuritas de acción, modelos a escala, revistas, juegos de computadora, juegos de consola, etiquetas, comiquitas, series de televisión, historias paralelas, historietas y miles de mercancías que han dado valor a la historia de Star Wars. Simplemente la “Guerra de las Galaxias” ha sido una de las películas más rentables de la historia, generando más de 5 mil millones de dólares en total (solo en entradas). No es de sorprender que George Lucas haya intentado sacarle mucho más dinero a una creación que ha cambiado al cine.

La historia de Star Wars en una historia política, envuelta en un ambiente de Ciencia Ficción. Los caballeros Jedi son los defensores de la paz, un grupo de sacerdotes con poderes mentales y alta concentración que desean mantener el orden del universo. Los Sith son la contraparte de los Jedi, los guerreros ambiciosos y que buscan intereses particulares. La república, por otro lado, intenta mantener la paz entre los estado-planetas integrantes, pero la federación de comercio ha estado atacando a planetas de la república para hacer acuerdos bilaterales inducidos por miedo. Y hay un hombre detrás de todo: un Sith. El Canciller Palpatine, primer ministro de la República de Planetas, está dirigiendo a la Federación de Comercio y ha originado una guerra donde él se paga y se da el vuelto. El canciller Palpatine es un Sith, un Jedi renegado, y sus planes afectarán a toda la república.

¿Y dónde queda Luke, Leia, Chewbacca, Han Solo y todos los demás personajes que crecieron con muchos de nosotros?  Bueno, todo comienza con la aparición de Anakin Skywalker, que eventualmente se convertirá en Darth Vader. Anakin es el padre de Luke y Leia, y Chewbacca ya lo verán en el segmento que he agregado a este post. Han Solo es un cazarecompensas como hay muchos, es decir, no cuenta.

Anakin Skywalker, un maestro Jedi en Episodio III, ha sido corrompido por el lado oscuro de la Fuerza: ha sido tentado por los intereses egoístas, manipulado por el canciller Palpatine, amenazado por sus sueños y por el amor a Padmé, y ha decidido cruzar la calle, convertirse en un señor Sith. Mucho tengo que criticar de esta decisión, mucho tengo que criticar de la historia completa de Star Wars, y casi todo se basa en la decisión que tomó Anakin que, a mi juicio, fue muy a la ligera y sin impactos sicológicos. Nunca he aceptado ciegamente esta historia, siempre he pensado que la película es una historia escrita por un niño y maquillada en un ambiente de política para que parezca más adulta, siempre he pensado que la única complejidad que introdujo George Lucas a la trama fue haber empezado casi por el final (en episodio IV) en vez de por el principio pero, aún así, me fascinan los Jedi. ¿A quien no le fascinan los Jedi?. Usan espadas de luz que pueden cortar todo, pueden prever las direcciones de los proyectiles y detenerlos con las espadas, tienen poder sobre la materia, manejan las mentes de los demás, son inteligentes, están un segundo más adelante que el universo que los contiene, ¿A quien no le fascinan los Jedi?

Pero he divagado. Volviendo a Anakin, es un maestro Jedi. Sus necesidades personales (que están relacionadas con la amante escondida y prohibida Padmé) lo han llevado a olvidar el código de honor Jedi que aprendió desde niño (Episodio I) para convertirse en el enemigo que ha estado persiguiendo desde que puede recordar: los señores Sith. Antes de convertirse en Sith se veía bastante afectado por sus preocupaciones; luego de convertirse no parece muy afectado por la decisión de traicionar a toda la república y a todos los ancianos que lo formaron, a su esposa secreta, a su maestro Obi Wan, al infinitamente sabio Yoda y a todos los aprendices Jedi que los admiran. Aún así, Episodio III, de la Saga de Star Wars, tiene una de las escenas más sobrecogedoras que alguna vez he visto, y yo la llamo “la traición”. Palpatine ha logrado convertirse en Emperador y ha ordenado, tras la “sospecha” de que los Jedi desean hacer un golpe de estado, destruir a toda la academia de Jedi y a todos los Jedi de la galaxia. Y Anakin tiene un parte terriblemente importante en esta escena.

La traición fue terrible. Todos los Jedi, generales de los ejércitos de la República, peleando en la guerra que no saben ha sido forjada por el propio emperador, son asesinados por la espalda, sin esperar que los soldados que ellos guían se volteen a destruirlos. Lo peor de todo es que, como están un segundo adelantados a los acontecimientos, todos pueden sentir que han sido traicionados, pero no tienen tiempo para defenderse. Solo los más poderosos Jedi pueden prever la traición lo suficientemente temprano para intentar salvar sus vidas. Y solo los más poderosos entre estos, podrán salvarse de la traición. Ver uno a uno de los Jedi siendo asesinados fue terrible, ver a Yoda sentirse infinitamente acongojado por el vacío que sentía a través de la galaxia al morir sus compañeros fue muy triste, pero ver la participación de Anakin en esta trampa fue espantoso. Esta es, sin duda, una de las escenas más crueles y despiadadas que alguna vez he visto. Por lo menos tuvieron la decencia de dejar cosas para la imaginación y no ser explícitos.

Lamentablemente George Lucas no hace escenas visualmente sobrecogedoras, sino escenas limpias, carentes de emociones, y construye las emociones con la trama, lo cual me dificultó demasiado la selección de la escena de esta película.

 

Misery

Stephen King es el creador de muchas historias a las cuales me siento ligado desde hace mucho tiempo, es el autor que más he leído en mi vida, a pesar de haber leído libros de muchos otros escritores. La Torre Oscura me acompaño desde que era adolescente hasta hace poco tiempo, y leí IT y Corazones en la Atlántida hace mucho tiempo. He devorado muchas de sus historias, y he visto a muchos directores destruir los libros de Stephen King como se destruye un castillo de arena en la playa: con los pies. Pocas de las películas basadas en libros de Stephen King se salvan, las que se salvan, las que de verdad valen la pena ver, son de las mejores películas que he visto. Una de ellas es Misery. Una película con dos personajes la mayoría del tiempo, una película terrible, tenebrosa.

Annie Wilkes es una fanática de un escritor muy famoso, Paul Sheldon, que resulta ser la versión masculina de Corín Tellado: Escribe las historias de una joven, llamada Misery, y sus amores victorianos. Paul tomó la decisión de matar a su personaje más famoso, Misery, para no continuar con las novelas centradas en ella, y luego de escribir la muerte de Misery, tiene un accidente de tránsito. Annie Wilkes, una enfermera retirada, lo rescata, y viendo que tiene las dos piernas fracturadas, le da cobijo durante las tormentas de nieve. Pronto Paul se da cuenta que está secuestrado, y Annie Wilkes lo obliga a escribir un nuevo libro, para revertir la muerte de Misery.

¿Annie Wilkes está loca?. Mucho. Muchísimo. Tanto, que apenas puede vivir porque Misery ha muerto. Obligar a Paul a escribir es la muestra de su locura, pero solo es una pequeña muestra. Stephen King ha creado miles de historias retorcidas, y ésta es una de esas. Paul intenta escapar, planea la huida, y Annie sabe que eventualmente se mejorará de sus piernas y podrá salir caminando de su casa. Allí comienza esta escena. Annie desea retener a Paul más allá de toda eventualidad, sin perder su “genio” literario. Allí la historia del libro se diferencia de la película, en la ejecución del plan para retenerlo. Si en la película es horrible (y lo están a punto de ver) imagínense que sucede en el libro.

Kathy Bates se ganó el Oscar por esta actuación, de verdad que es excelente su comportamiento y caracterización de Annie Wilkes.  James Caan hizo un buen papel. La dirección de Rob Reiner (a Few Good Men, The Bucket List) logró mantener el tono oscuro y desquiciado de la historia.

Les advierto. La escena que están a punto de ver es muy fuerte.

Kill Bill, Vol. 2.

Ok, Kill Bill. No se ni siquiera por donde comenzar en este Post. Quentin Tarantino es un genio, y esta película es genial. Kill Bill es el tipo de película que hay que ver con la mente en blanco: personajes sobreelaborados, frases clichés, referencias continuas a películas muy viejas, citas de televisión o historietas, escenas de telenovelas, errores intencionales, fetiches, chistes que no dan risa; es una mezcla de todo lo que a veces parece malo del cine en una obra impresionante, que quita la respiración. Kill Bill. Pocos son exitosos en el desarrollo de películas como ésta: Quentin Tarantino y Uma Thurman lo lograron. Es difícil, porque hace falta tener una visión más amplia de la película en cualquier instante, pero además es necesario concentrarse demasiado en los detalles, tener una visión analítica y sintética de la película. Entiendo que a mucha gente no le gustó Kill Bill; esperaba que así fuera. Las masas en general se resisten a pensar, y esta no es una película simple, Tarantino no hace películas simples.

Kill Bill cuenta la historia de la asesina Beatrix Kiddo, y su venganza insaciable. El día del ensayo de su boda, su jefe, junto con sus compañeros asesinos a sueldo, llegan de sorpresa a matar a Beatrix y a masacrar a todos sus invitados. Beatrix estaba embarazada, y pierde su hija, con un disparo en la cabeza que la deja en coma durante años. Al despertar decide vengarse, matar uno por uno a todos los que participaron en la masacre y destruir a Bill, su jefe asesino. Ella matará a Bill (she will kill Bill). La historia de venganza tiene varios giros inesperados, y uno de esos es que la hija de su preñez no ha muerto: Bill la tiene y la cuida. Bill está enamorado de Beatrix, y el amor y el deseo de muerte son recíprocos.

Beatrix despierta de su sueño de años, busca a todos sus asesinos, y los elimina uno por uno. Esta escena muestra el enfrentamiento de Beatrix y Elle, la que desde la primera parte nos han mostrado como su mayor reto y su mayor enemiga. Es una pelea de mujeres. Cuando vi esta película, cuando vi esta escena, juro que tenía unas expectativas infinitamente elevadas ya que Elle y Beatrix, enemigas, se tenían este momento prometido. Y tengo que decir que no supe procesar el final de la escena. Tuve una sensación de vacio inconmensurable, la escena no se desarrolló como yo esperaba, sin embargo, fue mejor que lo que yo esperaba. Si las cosas hubieran sucedido como yo pensaba, la escena hubiera sido predecible, poco memorable, pero de esta manera simplemente fue mucho mas cruel, Si la escena hubiera terminado con la muerte de alguna de ellas, no estuvieramos hablando de una obra maestra de Quentin Tarantino.

You and I have unfinished business.

El Beso del Dragón (Kiss of the Dragon)

Luc Besson es un productor francés de películas que ha logrado que el cine francés logre pasar las fronteras. ¿Recuerdan “El quinto Elemento”, “El Transportador” (todas sus versiones), “Juana de Arco” y “taxi”? Todas fueron películas muy taquilleras, dirigidas por Luc Besson, habladas en inglés. Esta película de la que estamos hablando, el beso del dragón, fue escrita y producida por Luc Besson, dirigida por Chris Nahon, y protagonizada por Jet Li. No soy muy fanático de las películas de peleas, aunque esta película es de otra liga.

Jet Li interpreta a Liu Siu-jian, un agente de inteligencia chino, que queda envuelto en una trampa para inculparlo de la muerte de un mafioso. Con el desarrollo de la historia, veremos que Jet Li es claramente el bueno, el que ayudará a la gente, el que resolverá todo. Eso es evidente. Lo que no es evidente es que Jet Li en esta película es realmente inteligente, no una máquina de matar gente como suele serlo en sus otras películas. Sus peleas tienen un factor de ventaja que lo da su inteligencia, parece estar estudiando a sus enemigos mientras pelea. El problema de estudiarlos es que no es infalible: sus peleas no eran solo para mostrar movimientos, ambos peleadores parecían que podían ganar. Sin embargo, no es esto de lo que deseo hablar. Liu Siu-jian además es un experto en acupuntura. Lleva consigo un alfiletero de donde saca las agujas que usa para relajar, calmar. Alli viene esta escena: Liu Siu-jian es un asesino. Conoce como matar a gente con un pinchazo de una aguja.

En la escena final de esta película (si no han visto esta película, no vean la escena), Jet Li no logra esquivar un disparo, se aferra al brazo del policía malo, lo rodea, saca una aguja de su alfiletero con la boca, y parece que fuera a besarle el cuello, es más, lo besa. La aguja fue puesta en el la parte de atrás del cuello del jefe de la policia y le va a provocar la muerte. Una técnica que, para esta película, se llama El beso del Dragón. El resto de la explicación que sucede cuando una persona recibe el beso del dragón, bueno, Jet Li lo da en la película, y en esta escena. Fue muy buena esta película, pero el beso del dragón es inolvidable para mi.

 

Regreso a Cold Mountain

Anthony Minghella fue un director con una sensibilidad muy especial. Dirigió pocas películas y desde hace poco tiempo, pero sus películas cambiaron la manera de hacer el cine. Su primera película importante fue “el paciente inglés”, que creo que muchos recuerdan, una de las mejores películas de todos los tiempos. Regreso a Cold Mountain es una película llena de superestrellas: Nicole Kidman, Jude Law, Rene Zellweger, entre otros, protagonizan una nueva versión de La Odisea.

La película transcurre durante la guerra civil estadounidense, la guerra de Norte y Sur, y cuenta la historia de Ada Monroe (Nicole Kidman), que es la hija y acompañante de un predicador que muere de un infarto y  queda sola y agobiada por el peso de la guerra, y de Inman (Jude Law), un joven trabajador que decidió servir al Sur en la guerra, quien está profundamente enamorado de Ada, pero que tiene grandes dificultades para expresar lo que siente verbalmente.

La historia comienza con el enamoramiento fugaz de ambos, seguido de la guerra. La historia comienza con los horrores de la muerte en la guerra. La historia es cruel, desgarradora, con escenas que todavía pienso que son demasiado crudas para la película. La historia trata de un viaje, Inman, escapando del frente de batalla, recorre todo el sur de Estados Unidos intentando regresar a Cold Mountain para ver a su amada Ada. Durante el trayecto, Inman verá lo cruel y despiadada que puede ser la gente, mientras que Ada Monroe aprende las labores domésticas y de mantenimiento de una granja, que por tanto tiempo fueron inapropiadas para la gente de sociedad.

Pero más alla de lo que he comentado, la historia trata de la Voluntad. Voluntad con V mayúscula. Ada apenas puede sobrevivir, pero Inman está al borde de la muerte, pues fue herido en el cuello con una bala en el frente de batalla. Inman tiene que ser atendido en el hospital de guerra, que como hemos visto en otras películas, siempre es terrible y sucio. Inman tiene que recuperarse al lado de los otros pacientes moribundos, cubierto de moscas. Los médicos esperan la muerte de los soldados, porque salvarlos está más alla de su poder y sus recursos. Inman, herido, moribundo, es visitado por una voluntaria, y le lee una carta de Ada Monroe. La carta le cuenta sus sufrimientos, su espera, le habla del amor fugas que se tuvieron, y luego le hace una petición, una orden: “si está peleando, deje de pelear; si está marchando, deje de marchar; regrese a mi, que regrese a mi es mi petición”. Esta escena me hizo llorar. No por la petición, que de verdad parece egoísta, sino por la respuesta a la petición: Inman abre los ojos y se ve la desesperación en ellos. Inman, en ese momento, quiere sanar. Inman, en ese momento, adquiere la voluntad que necesita para sanarse, para huir del ejercito, para recorrer todo el país, para llegar a Ada. Es una escena terrible y hermosa, que termina al mostrar que el tiempo ha pasado e Inman se ha recuperado parcialmente, cuando sale caminando al jardín del hospital.

Esta película tuvo 7 nominaciones al Oscar, una de ellas fue la nominación de Jude Law en su papel de Inman. Algunos dicen que representa muy bien las crueldades de la guerra civil de Estados Unidos. Otros críticos dicen que esta excesiva realidad (narrada de manera muy nostálgica y melancólica, como todas las películas de Minghella) opaca la historia de amor. A mi simplemente me parece que es una de las mejores películas alguna vez filmadas, a pesar de que hay escenas en la película que siento que son demasiado crueles y no aportan nada a la historia. Es una de mis películas favoritas.

Constantine

Personalmente, Constantine es una película que no me gustó. Me parece tonta, necesitando relacionarse innecesariamente con la religión, pero el tema es medianamente perdonable porque está basado en una historieta, Hellblazer, y con elementos tomados de otros lugares. No voy a criticar la religión aquí, ni a la historieta basada en la religión, ni a la película basada en la historieta. Me voy a referir a un personaje de esta película: El Angel Gabriel. Gabriel, el anunciador según la tradición cristiana, el que anunció la venida de Cristo, el que le informó a María que estaba embarazada, el que convenció a José que María era virgen y que debía casarse con ella. Gabriel. Yo fuí católico. Nunca creí en los ángeles, nunca veneré Santos (aunque todavía los admiro, pues sus vidas fueron ejemplares en muchos contextos, y han influenciado la historia de manera muy marcada, ¿recuerdan a Santa Juana de Arco?), en esa época creía que, si Jesús me escuchaba, entonces no necesitaba intermediarios. Pero Gabriel siempre me cautivó. El era el protector de Jesucristo, el anunciador. Muchas películas se han hecho donde los ángeles han caído del cielo, donde los ángeles tienen envidia de los humanos, donde Gabriel lidera la revolución contra Dios.

Por otro lado, un personaje que no aparece en la película es el arcángel Miguel. Miguel es, según la tradición cristiana (o católica o judía o islámica) el comandante del ejercito de Dios. Yo pensaba que Dios, siendo omnipotente no necesitaba de eso, pero uno utiliza el poder como mejor quiera. Miguel significa “quien es como Dios” y es, según algunas tradiciones, el grito de guerra de los ángeles en la batalla contra el Diablo al expulsarlos del infierno. Miguel es, además, el guía de las almas de los hombres al morir, quien los conduce al cielo, y quien les permite salvarse al renunciar a Satanás. Es el enemigo más grande del demonio, y su cazador más poderoso.

En esta película, mezclaron a ambos. Miguel y Gabriel son el mismo, por lo menos por el comportamiento. En la tradición católica, las imágenes de Miguel son derrotando al diablo, como se puede ver en las ilustraciones de este post. Siempre con un pie en la cabeza del diablo, siempre con una espada amenazante.

  ¿Cual es el sexo de los ángeles? Son asexuados. A veces los representan como hombres, otras veces como mujeres. Todo depende del artista. El sexo solo es importante cuando el ser se reproduce, así que siendo los ángeles seres inmortales, invisibles y divinos, entonces es irrelevante si parecen hombres o mujeres. Muchos los han representado como andróginos, con características de hombre y mujer a la vez, como niños grandes, como las imágenes que se muestran.

En Constantine, La actriz que representó a Gabriel, Tilda Swinton (ganadora de Oscar por Michael Clayton), lo hizo de manera ejemplar. Es cruel, rápida y amenazante. La última escena de la película, Gabriel llega a amenazar a Constantine y usa la imagen grabada en nuestra mente del Angel Miguel. Tilda se ha caracterizado por hacer personajes hieráticos, con una locura incipiente, pero apenas mostrada, con movimientos gráciles y gestos confusos. En esta película, Gabriel tiene cuerpo de hombre (pues no tiene senos) y representa completamente la idea de lo andrógino. Siendo la primera vez que veía a Tilda Swinton actuar, me preguntaba si era un hombre o una mujer.

Lo único que se salva de esta película, lo único que salva a esta película, es el Angel Gabriel!

Todas las imágenes de este texto han sido tomadas de Wikipedia. Consulten allí para ver las fuentes de las obras de arte.

http://en.wikipedia.org/wiki/Michael_(archangel)

Los increibles (the incredibles)

Pixar se ha caracterizado por hacer películas excelentes (excepto Cars, pero tiene su público) y la película que voy a comentar es una de esas que considero magistral: Los increibles, una película para adultos, narrada en animación. Los Increíbles cuenta la historia de una familia de superhéroes que ha tenido que ocultarse del público por problemas legales, pues, siendo los seres humanos tan conflictivos, han logrado conseguirle defectos a todo. La gente es así: si alguien hace algo, no importa lo bien que se haga, siempre se puede conseguir algún defecto, y siempre hay motivo para reclamar.

Esta familia de superhéroes ahora se ha convertido en seres anónimos con super poderes; La madre tiene la habilidad de estirarse sin límites, el padre tiene fuerza sobrehumana, la hija se hace invisible y el hijo corre a la velocidad del sonido (o prácticamente a la velocidad del sonido). Sin embargo, es una familia normal, con defectos y neurosis y todas las complicaciones que aparecen de vivir en comunidad. La historia de la película comienza cuando al Señor Increíble, el padre de esta familia, lo contactan para proponerle una misión militar, que consiste en desconectar un robot con inteligencia artificial de punta que se ha vuelto rebelde. Sin saberlo, Mr. Incredible va a la misión, y resulta que la misión es una trampa: un enemigo desea destruirlo. El Señor Increíble queda prisionero, y allí viene el momento que deseo comentar: la esposa, Elastigirl, consternada por pistas que no ha sabido leer, desea descubrir las actividades secretas de su marido. Viaja en un avión militar a la isla donde se realiza la “misión” de Mr. Incredible, y cuando va en vuelo descubre que sus hijos se han colado en el avión. Y que la están bombardeando y quieren matarla. Su tensión está perfectamente lograda por los animadores: ¡sus hijos están en el avión!. Su instinto maternal es más grande que nada. Ella va a salvar a su familia, pues esa es su misión: rescatar a su esposo y salvar su familia. Por eso se casó. Por eso quería confrontarlo. Y su inteligencia en momentos críticos es sorprendente.

Vean a Elastigirl salvar a sus hijos tres veces consecutivas. La primera, cuando el avión es alcanzado por un proyectil, ella, vestida con un traje resistente al calor, envuelve a sus hijos en su cuerpo. La segunda, cuando van cayendo del avión, ella, desmayada por el impacto de la explosión, se despierta y entiende que debe salvar a sus hijos de la caída. Y la tercera, una vez que han caído al agua, ella los protege de la caída de los fragmentos del avión. Luego los salva otra vez, y otra, y otra, porque está comprometida y ama a sus hijos. Nunca había visto en una película “infantil” una tan buena representación del amor maternal: la madre no solo cocina, plancha, limpia, sino que además daría su vida por salvar a sus hijos con una inteligencia incomparable. Para mi, Elastigirl es la película. Aún teniendo muchos personajes complejos y profundos, es ella la que hace de “Los Increíbles” una película increíble.

GATTACA

GATTACA es una de mis películas favoritas. Dije que algún día daré la lista de mis películas favoritas, pero obviamente una gran parte de ellas pasará por aqui, por diferentes motivos. Muchas de mis películas favoritas tienen escenas que me parecen brillantes, terribles o las dos a la vez.

El ser humano siempre ha discriminado, hay discriminación contra los negros (en algunos lugares del mundo más que en otros, en Venezuela no es muy marcada), hay discriminación contra los judios (que lo dijera Hitler), hay discriminación contra los pobres y en Venezuela hay discriminación contra los ricos. Hay discriminación contra los delgados y contra los gordos, contra los bellos y contra los feos, contra los gay y contra las lesbianas. Hay bastante discriminación. Lo que sucede es que la discriminación no está institucionalizada, por lo menos no desde hace mucho tiempo en muchos países del mundo.

GATTACA (experimento genético, como se llamó en español) habla de un futuro próximo, donde la discriminación será institucionalizada y se hará por el código genético. Si alguien pudiera ver tu código genético, realmente estarías desnudo y vulnerable, serías transparente para quien te contrata o te quiere. Esa es la historia en esta película: las empresas solo contratan a gente de genes superiores ya que esto garantiza inteligencia superior, resistencia física superior, personalidad menos conflictiva, capacidad para resolver problemas, y miles de millones de cosas que pueden esperarse de personas que sean construidas, fecundadas a través de métodos artificiales. Y es allí donde está el meollo de la cuestión: el protagonista fue concebido a través del método natural, sin intervención científica. A pesar de que aún hay gente que en este futuro distante nace sin ser resultado de fecundación in vitro, es difícil realizar los sueños, trabajar, alcanzar las metas, cuando toda la sociedad está hecha para favorecer a los que tengan las mejores características.

Vincent (interpretado por Ethan Hawke, ya hablé de él en “La sociedad de los poetas muertos”) es un in-válido, creado naturalmente, y desea convertirse en astronauta. Nació con problemas cardíacos (ya que sus genes fueron estudiados al nacer) y le determinaron que viviría hasta la temprana adolescencia. Pero Vincent ya es adulto, ya se fue de su casa, y quiere alcanzar sus metas. Para ello, hace fraude, impersonando a un nadador olímpico superior genéticamente, pero que ha quedado minusválido por un accidente de tránsito. Como se hace este fraude? eso es un problema, cuando tu cédula de identidad es tu Código genético. Vincent tiene que quitarse todas las células muertas de su piel todos los días, usar burbujas dentro de su piel que contienen la sangre superior de Jerome, tomar cabellos de Jerome y dejarlos junto con otras células epiteliales en su zona de trabajo, usar lentes de contacto de otro color, cambiar su estatura, usar recipientes de orina especiales. Y en algunos casos, tiene que tomar inclusive grabaciones de los latidos del corazón. Queriendo Vincent ser astronauta, tendrá que hacer entrenamiento físico, y para las pruebas usa un monitor cardíaco hackeado, donde ha grabado los latidos del corazón de Jerome. Vincent se ha convertido en Jerome, pero solo por fuera.

La escena que verán a continuación muestra la voluntad, el deseo de superarse, la determinación y la fortaleza de Vincent intentando convertirse en Jerome Eugene. Está entrenando en una trotadora, pero su corazón es débil. La escena parece basarse en la investigación policíaca de la trama de la película, pero recuerden que Vincent tiene problemas cardíacos. Es una escenas desgarradoramente intensa, porque Vincent está ahogándose en esta escena y tiene que fingir. No puede respirar, prácticamente, mientras trota, sin mostrar casi expresiones.

Ethan Hawke es uno de mis actores favoritos, junto con Jude Law, que hace el papel de Jerome Eugene, el nadador lisiado que le ha dado su “cuerpo” a Vincent. Además actúa Uma Thurman, una actriz brillante y hermosa.

El tema de la película, y su desenlace, son brillantes. La recomiendo completamente. Es una de las mejores películas que he visto, y la sigo viendo. Y soñando con las estrellas.

 

 

Little Miss Sunshine

Cuando presentaron las nominaciones al Oscar del año 2007, no sabía quien iba a ganar entre Little Miss Sunshine y The Departed (los infiltrados en español). Simplemente las dos películas eran muy diferentes, y ésta en particular era realmente brillante. Recuerdo que tuve una discusión con un amigo por el tema de esta película, ya que él dijo que era demasiado mala, aburrida y la comparó con “vacaciones” de Chevy Chase, y de allí tomé la frase de “todo el mundo tiene derecho a equivocarse sobre lo que le dé la gana”. Si yo quisiera decir que el equipo de Futbol de Brasil es mejor que el de Italia porque la camisa de los de Brasil es verde(como la esperanza) y además son latinoamericanos como yo, yo estaría muy equivocado (probablemente estaría en lo cierto, pero por motivos equivocados). Ese era el argumento de mi amigo para decir que la película era mala, simplemente porque a él le parecía que era mala. Luego de ese día aprendí que todo el mundo puede opinar de cine, pero no todo el mundo sabe opinar de cine (lo mismo pasa con los deportes, la política, y casi cualquier aspecto de la vida).

Little Miss Sunshine es una comedia con mil millones de matices. Una comedia que intenta mostrar que las esperanzas y las expectativas de las personas no siempre están en sincronía con sus habilidades, y que la mayoría de nosotros no conocemos nuestras debilidades. Sin embargo, la intención no es que la gente se rinda sin intentarlo, puesto que además de las habilidades es necesaria la voluntad.

Little Miss Sunshine trata de un concurso de belleza infantil. Abigail Breslin, en su actuación, hizo magia interpretando a una niña rechoncha, inocente, deseando ganar el concurso de belleza en cuestión. Para ello, la familia tiene que viajar con ella por todo Estados Unidos, en una camioneta con el arranque dañado, con un abuelo adicto a la heroína que se muere en el transcurso del viaje (y que luego hay que llevarlo muerto en la maletera de la camioneta) un hijo adolescente que se niega a hablar hasta obtener permiso para entrar a la aviación (y en el devenir de los eventos se entera que es daltónico, por lo cual no es apto para la aviación militar) un tío homosexual suicida experto en literatura inglesa, un padre que creó los pasos para el logro y realización personal pero no logra vender su idea (lo cual lo hace un fracasado) y la madre que intenta mantener a todos juntos.

La escena del final? la niña regordeta haciendo un baile que su abuelo le coreografió. Ella no sabía lo que su abuelo (su tierno abuelo) quería conseguir con esa coreografía, y simplemente la bailó siendo inocente a todo, pero su baile busca remover las emociones y los paradigmas de las mentes cerradas. Es una rutina muy cómica por lo irreverente. Cuando la ví por primera vez, yo estaba sin palabras, exageradamente sorprendido. Luego empecé a reir, empecé a reir sin parar, porque simplemente la irreverencia de la escena logró hacer su efecto en mi…

Esta película, tan diferente a los infiltrados, también se merecía el Oscar de mejor película.

Superfreak, superfreak!

Señorita Sunshine @ Yahoo! Video

La sociedad de los poetas muertos

Vi la sociedad de los poetas muertos en televisión, cuando tenía 12 años, unos cuantos años luego de su estreno en 1989. Yo vivía en caracas, y la televisión nacional, en semana santa, tiene la tendencia de pasar películas largas y repetidas. Ese año pasaron este estreno. Aún no recuerdo el motivo por el cual la grabé en una cinta de VHS mientras veía la película. Recuerdo que le daba pausas a la grabación para no incluir los comerciales, aunque en semana santa casi no pasaban comerciales.

Recuerdo a esta película porque fue, oficialmente, la primera película que vi que, luego de haberla visto, no podia olvidar. No es lo mismo que Alien, esa era de terror y por supuesto que estuve muy asustado mucho tiempo, sino que esta era la primera película de drama que formalmente me hacía pensar. Estuve deprimido un tiempo luego de verla, claro, no esperaba menos de un muchacho de 12 años viendo una película de tal intensidad. Pensaba en la película todo el tiempo.

La narración de esta película es muy clásica y convencional, pero tiene un elemento interesante: luego del suicidio del protagonista de la historia (Robert Sean Leonard, ahora lo pueden ver en el papel de Wilson de la brillante serie de televisión HOUSE M.D.), la atención pasa al papel medianamente irrelevante de Ethan Hawke, para hacerlo mucho más rico, y Hawke pudo resistir en sus hombros la presión de darle culminación a la historia. Por supuesto que está Robin Williams, que obviamente hizo una actuación impecable, pero siendo esta película la historia de unos adolescentes en una escuela represiva, la relevancia de Hawke se hace evidente al guiar la rebeldía de la escena que están por ver.

El profesor Keating, interpretado por Robin Williams, es un constructivista (construye el conocimiento y el aprendizaje) mientras que la escuela es marcadamente conductista (aprendizaje por refuerzos positivos y negativos). Hace 50 años, época donde se ubica la historia, la diferencia entre estas dos teorías de enseñanza eran marcadamente fuertes, y no había mucho lugar para Keating en instituciones de alto renombre. La gente se guiaba por las apariencias y todos juzgaban a escondidas (no quiere decir que la gente no juzgue ahora, solo que entonces había un conjunto de patrones morales muy estrictos) y el suicidio de uno de los estudiantes hace que expulsen a Keating de la Academia. Luego viene esta escena, que aún me produce escalofríos.

Oh capitán, mi capitán!, comienzan a repetir los estudiantes del aula, a medida que se van poniendo de pie sobre los pupitres. Se ponen de pié porque el profesor Keating les dice que, a veces, hay que ver las cosas desde otro punto de vista, y los exhorta a que se suban a los pupitres y puedan ver el mundo desde esta nueva perspectiva. Lo de Oh, capitan, mi capitán!, lo sacaron del nombre de un poema de Walt Whitman, que es un poeta de gran importancia para la lengua inglesa y para la trama de la película (y para la literatura del mundo entero). El profesor Keating no solo les dió clases de literatura, también les enseñó a tener una vida más cercana a sus emociones, más auténtica, más propia. La escena me parece muy intensa. Lamentablemente, tiene un defecto, que no comentaré, pero que es fácil ver cuando uno ha visto la película hasta aprenderse los diálogos, como la vi cuando tenía 12 años.

Oh, Capitán, mi capitán!

Dead Poets Society Excerpt 03 por thenelaware

Interview with the Vampire

Soy un fan de Lestat de Lioncourt. ¿Sabes quien es Lestat?. Es el protagonista de muchas de las Crónicas Vampíricas, escritas por Anne Rice. Los libros siempre superan a las películas, solo puedo recordar un caso (“Shawshank Redepmtion” conocida en español como “sueños de fuga”) donde tal vez la película sea mejor que el libro. Lestat es uno de los personajes más intensos de todos los vampiros que he leído, romántico, apasionado. Siempre fuí fanático de las historias de Vampiros, leí Drácula a los 15, y ví quien sabe cuantas películas referidas al tema durante toda mi vida.

Entrevista con el vampiro no es más de lo mismo. Ahora pululan historias de vampiros: True Blood, Twilight, inspiradas en la reconstrucción de los vampiros inmortales de Anne Rice. La historia es diferente, ahora los vampiros no son demonios, son simplemente observadores, estrellas que miran el paso del mundo, estáticos, inmutables.

En esta historia, Lestat es el malo. El enemigo, por así decirlo. Es necesario leer “The Vampire Lestat” para entender muchas de las cosas que el mejor de los vampiros hace en “Interview with the Vampire”, ya que en la primera entrega parece despiadado y desalmado. Lamentablemente, no hay una película que le rinda honores al personaje, el comercio y las políticas de Hollywood dañaron los libros y entregaron “The Queen of the Damned” amputada y mal abortada, defectuosa en general, asfixiando a la novela y consumiéndola toda.

Lestat, interpretado por Tom Cruise, es un vampiro rubio y aparentemente desalmado. Louis, su aprendiz, demasiado joven e inexperto, se resiste a ser vampiro, pero es tentado por la sangre con fruición. En esta escena verán a Lestat usar a su víctima humana como el cigarrillo que tienta a quien dejó de fumar, como un objeto inanimado, que solo produce ruidos al chocar con una mesa o caer, una víctima, una presa, un ser sin importancia.

Cuando vi esta escena sentí miedo. No es una escena de miedo, pero me sentí infinitamente inferior. Si yo fuera la víctima, estaría condenado a muerte, y no habría palabras, no habría llanto, que pudiera ayudarme.

Si no sabes nada más de Lestat, créeme, no es el ser despiadado que se muestra en esta escena: todo tiene una explicación.

Tom Cruise afectó mucho el desempeño de esta película, afectó el guión, eligió actores, alejó a la escritora. A pesar de eso, la historia se mantuvo medianamente fiel al libro, y tuvo un resultado que me pareció excelente. Véanla, y lean los libros. Esta escena está tomada casi textualmente del libro, y de veras se muestra en ella los distintos caracteres de los personajes.

Atonement

Creo que no he visto una película que no admire donde haya trabajado Keira Knightley. No las he visto todas, pero las que he visto han sido sorprendentes, a pesar de que “pirates of the Caribbean: at world´s end” no me agradó tanto como las anteriores. Atonement (llamada en español como Expiación y Pecado) es una de esas historias que muestran como un malentendido inocente y la imprudencia puede destruir la vida de una persona o de varias por completo.

Recuerdo que vi esta película y al inicio no esperaba que la historia se desenvolviera de la manera que finalmente lo hizo. Pensaba que la expiación sería culpa de las acciones propias, y no que una niña celosa tendría en sus manos y en su convicción la fuente de la condenación. Todos cometemos errores, y algunos son tan grandes que no podemos medir las consecuencias. Esta película estuvo nominada al premio de la academia como mejor película, y de verdad tiene lo suyo. La escena que viene a continuación no sucede: es solo la manera de la niña equivocada de resolver, en su mente, todo el enredo que produjo en la vida de los demás. Arruinó la vida de su hermana, y más aún, arruinó la vida del empleado familiar que solamente estaba enamorado. La niña se ha convertido en enfermera, y luego en escritora: es la autora (ficticia) de la historia biográfica que se cuenta.

La historia cuenta la vida de Briony Tallis, una niña de trece años, que desea ser escritora. Está enamorada de Robbie Turner, interpretado por James McAvoy, que desea y ama a la hermana mayor de Briony, Cecilia, interpretada por Keira. Una “violación” en la casa familiar la hace acusar a Robbie de perpetrador, pero porque está obnubilada por tantos eventos que su imaginación ha creado respecto a lo acontecido ese día. Robbie es enviado a la carcel, y la carcel es peor que la Guerra, así que Robbie decide ir a la Guerra para ser perdonado del delito que no cometió. En la historia que Briony cuenta de adulta, ella confiesa que lo que están a punto de ver no sucedió, que fue su manera de pedir perdón ante el cielo y el recuerdo de su hermana y su amante, pero nunca hay suficiente remordimiento para expiar tal pecado.

Lo fascinante de esta escena es que, realidad o ficción dentro de la ficción, es infinitamente romántica. Robbie está perturbado: es un ser que los rigores de la guerra y la cárcel ha dejado sin felicidad. Cecilia es su mujer, que vive cada día con la esperanza de que puede traer a Robbie a un mundo más iluminado y tibio. Briony merece la muerte y el desprecio. Cecilia cree, siente, vive con la esperanza que su amor es suficiente para quitar la fiebre que consume Robbie, para traerlo hacia ella. Es una escena que solo al verla me produce escalofríos. Impecablemente realizada, con emociones que pueden leerse claramente en la cara de los tres personajes. Es terrible comprender, al final que solo es la manera de pedir perdón de Briony, pues ambos murieron en la guerra sin poder ser felices, ambos murieron por un chisme inocente.

Mide tus palabras. Piensa en el impacto de tus acusaciones.

 

Velvet Goldmine

Creo que, por ser zurdo (o por cualquier otro motivo), he tenido desde siempre una sensibilidad especial por las artes. No soy un artista, no toco ningún instrumento, no tomo fotos que expresen emociones encontradas, no escribo canciones, no hago esculturas ni pinto, no diseño edificios; soy un ingeniero, un científico. Pero las artes me han apasionado desde pequeño. Me encanta y siempre me ha encantado leer, me gusta escuchar música clásica, soy apasionado con el cine, aunque desconozco muchos de sus origenes e influencias. Declaro que nunca he visto una película de cine mudo y algunas de las consideradas “grandes” de los inicios del cine no me llaman la atención y por lo tanto no las he visto. Creo que lo que más me ha marcado entonces es lo clásico y lo romántico. Pero tambien declaro que he estado viendo películas (de manera intensiva y con una actitud crítica) desde que tenía 11 años, o tal vez menos. Recuerdo que para la época el estreno del silencio de los inocentes, como era menor de la edad mínima para poder entrar al cine en esa pélicula, comencé a leer todo lo que aparecía en los periódicos y revistas acerca de la película. Luego pedí a mis padres que me regalaran el libro, para poder leer la historia que no pude ver, y así pasé tres años, hasta que un día la pasaron en estreno por televisión. Luego me dí cuenta que muchas de las películas que yo quería ver no llegaban a las salas de cine de Caracas, o por lo menos no a las salas comerciales, y comencé a notar que la gente en general quiere ver películas simples, sin profundidad, que generen emociones tradicionales como el miedo o la risa, y no esperan ver matices profundos en actuaciones o todas las capas de una película.

Velvet Goldmine es una película acerca del Glam Rock en Inglaterra (Reino Unido debería decir) en los años setenta. Está inspirada por un personaje y un caracter creado por David Bowie para si mismo (aún cuando David Bowie no tomó parte en ningún aspecto y hasta vetó la película), y trata de buscar la propia identidad. Es una película con cuatro personajes conflictivos. Brian Slade es el cantante más famoso del glam, una superestrella, y en su último disco interpreta a Maxwell Demon, venido del espacio. En este momento, Slade/Demon está en la cúspide de su carrera y con su imagen más andrógina de su trayectoria. Abiertamente bisexual, se enamora de Curt Wild, su contraparte estadounidense, artista autodestructivo y caótico. La esposa de Slade es desplazada cada vez más por los deseos de fama de éste, y por otro lado, un adolescente buscando su identidad sexual está enamorado de la imagen de Demon, quien contará la historia diez años después a través de una investigación para la agencia de prensa para la que trabaja.

Y ¿que es lo que me gusta de la película?, Todo. Es una película algo bizarra y recargada, un musical de glam rock (que siempre me ha parecido el rock más nostálgico y melancólico de todos) y con actuaciones excelentes. Es una película de bajo presupuesto, con una banda sonora impresionante. Sí, cierto, hay mucha escarcha y plumas y ambiguedad sexual y drogas, pero no esperaba otra cosa de una película basada en parte de la carrera de David Bowie, pero es lo que no se ve lo que me cautiva.

El rol principal, el de Brian Slade y su personaje Maxwell Demon es interpretado por Jonathan Rhys Meyers, a quien he seguido desde hace poco luego de su excelente papel en Match Point de Woody Allen (y quien ahora encarna a Enrique VIII de Inglaterra en la serie “the Tudors”), en un papel que seguramente no lo enriqueció económicamente pero que mostró su versatilidad actoral, al representar a un ser tan ambiguo y amanerado. Curt Wild es interpretado por Ewan McGregor, que seguro recuerdan de “Star Wars” en sus tres nuevos episodios, y el reportero que una vez fue adolescente (fan enamorado de Brian Slade y realizándose sexualmente con Curt Wild) es interpretado por Christian Bale, ahora mejor conocido como BATMAN. Toni Collette interpreta a la esposa de Brian, atormentada por la fama creciente de su esposo, y a quien seguro vieron en “Little Miss Sunshine”. Cuando veo a actores como estos interpretando papeles de sexualidad ambigua siempre recuerdo como Tom Cruise obligó a los guionistas de Entrevista con el Vampiro a modificar las escenas, diálogos y al guión en general para no parecer gay en su interpretación de Lestat. Cruise, tienes mucho que aprender, alli tienes a Obi Wan, a Bruce Wayne y a Enrique Octavo de Inglaterra dándose besos y desnudándose, todo sea por contar una historia.

La escena a continuación me parece un resumen de las miles de facetas que puede tomar Jonathan Rhys Meyers en su interpretación de David Bowie a la manera del director Todd Haynes, con una canción que me parece excelente. Se llama “the ballad of Maxwell Demon” y en la película intenta explicar el ascenso de Brian Slade a la fama y su vida de excesos.

Busquen Velvet Goldmine y véanla. No espero que les guste, espero que sientan emociones diferentes.

V for Vendetta

V. V por Venganza, así es mas interesante que V de Venganza, como se llamó en Latinoamérica. Sé que apenas hay una ligera diferencia en el significado, pero si se llamara V por Venganza, sonara un poco más cruel y decidido. De todas maneras el nombre no es lo que hace a la película.

Ví esta película con mi mejor amigo (suelo ir al cine mucho con él) y recuerdo que yo estaba esperando mucho verla, estaba producida por los hermanos Wachowsky y protagonizada por Natalie Portman y Hugo Weaving, ambos actores muy respetados por mi. Natalie trabajó en tres películas de Star Wars, las nuevas, no las buenas, y Hugo trabajó en Matrix y sus secuelas inferiores, además de hacer el papel de Elrond en Lord Of The Rings. En fin. V for Vendetta tenía dos actores que habían trabajado en trilogías de fantasía y las historias de fantasía me gustan, así como las de ciencia ficción. Esta es, en cambio, otro tipo de película. Trata de un superheroe (¿se le puede llamar así?) cuya motivación es la venganza (Batman también busca venganza, ¿no?). Este ser, que se llama a si mismo “V”, tiene una motivación básica, intestina, cruel. Fue creado en un experimento que le dió fuerza y agilidad, pero que le hizo olvidar quien era, fue sometido a tortura y dolor, y ahora quiere venganza. Tiene 20 años planificando su venganza. y la venganza consiste en matar, uno por uno, a todos los que hicieron el experimento que lo convirtió en quien es. Además está quemado, pues escapó durante un incendio y ahora oculta su rostro de la raza humana. Y quiere liberar a Inglaterra de su gobierno podrido.

Durante la historia, V se relaciona por azar con Evey, y ambos descubren como resistir y luchar por las ideas. Otra películas que habla de las ideas pero recuerdo pocas entre estas que tengan tantas escenas visualmente poéticas e idealistas. Es una película de estudio, pero los hermanos Wachowsky han mostrado que ellos pueden obtener libertad creativa.

El protagonista de esta película, V, es un terrorista. En esta película, V tortura a Evey, que se supone es su amiga, para hacerle entender sus motivos y liberarla del miedo. Es un Superheroe que ha tomado caminos muy cuestionables para alcanzar sus metas, sin embargo, las logra alcanzar. Quiero decir que V no es un superheroe como Superman, con superpoderes y todo eso. No, tal vez tiene alguna fuerza superior, y una agilidad superior, pero nada que pueda salvarlo de las balas ni de los venenos. No vuela, no tiene vista de rayos x, no atraviesa paredes ni se vuelve invisible. Simplemente es ágil, tanto como una persona muy ágil, y fuerte, como una persona muy fuerte. Y culto, pues ha dedicado su vida a leer y cultivar su mente, y cada vez que habla muestra su espectacular vocabulario y pronunciación. E inteligente, pues ha planeado la destrucción de sus enemigos uno a uno. Y decidido e implacable. Creo que voy a seguir diciendo sus cualidades si no cambio de idea, pero lo hago porque V es el tipo de personaje que quiero ver en las películas de este género. No quiero ver a Wolverine regenerándose y diciendo frases cliché. No quiero ver a Superman parando balas con los ojos. V es el personaje de tres dimensiones que necesitaban las películas de Superheroes.

Recuerdo que al salir de la sala de cine cuestioné a la academia de artes y ciencias cinematográficas, porque no es el tipo de película nominable al Oscar. Pero si dependiera de mi, esta película hubiera estado nominada, solamente nominada. Nominaron al puerco Babe, no pueden nominar a algo como V for Vendetta?

La escena que elegí muestra la pelea icónica de esta película. V está rodeado de personas armadas hasta los dientes, pero la gente confia mucho en las armas y poco en la inteligencia. No quiero dañarles la película a aquellos que no la han visto, pero V tiene puesto un chaleco antibalas (o algo que se le parece).

por cierto, es el segundo video que publico de una película donde actua John Hurt. La anterior fue Alien, el octavo pasajero. 

Die! die! why dont you die!

Dancer in the Dark

Lars von Trier dirige a Björk en esta película sobrecogedora y cruel. Selma, el personaje principal, es condenada a muerte injustamente por el asesinato de un policía que le robó el dinero ahorrado para la operación de su hijo, que sufre una enfermedad genética degenerativa, y está quedando ciego así como ella. Ya Selma prácticamente no ve, y confía en el instinto para hacer las labores cotidianas. Amante de la música y las canciones, su vida se convierte en un musical. Pero si asocian la palabra musical con alegría, entonces esta película les cambiará el paradigma.

Björk no es una artista tradicional. Todo lo hace en un esfuerzo para innovar, y a pesar de que sus sonidos y canciones no son fáciles de escuchar, particularmente siento gran admiración por su música y sus ideas. Una de las ventajas de su música es que, si se le da la oportunidad, permite encontrar gran belleza en algunas de sus canciones al escucharla por segunda vez. Sus ritmos no podrían calificarse de pegajosos, pero se quedan grabados en la mente, y casi nunca en una imagen desagradable. Nunca es excesivamente dulce, ni excesivamente amarga. Su sonido nunca es demasiado ácido, pero no es convencional como los Jonas Brothers. Y ella es la protagonista de esta película y llevó todo lo que suele hacer en la música a esta película. Las canciones fueron compuestas por ella, aunque las letras fueron a veces escritas por el director. Esta película se merece dos videos, no porque sea la mejor película de la historia, sino porque la narración es musical, y quiero mostrar no solo las escenas sino la música, que es protagonista de esta película.

Como había dicho, Selma está ciega. Puede ver la luz y la oscuridad, pero poco observa del mundo. A pesar de eso no es una discapacitada: camina al trabajo contando los pasos hasta la vía del tren, y luego siguiendo la vía, llega a su destino. Su trabajo es mecánico y repetitivo, por lo cual no necesita su vista. Está acostumbrada a su rutina, y eso le ayuda a sobrellevar su ceguera, además de su única meta, que es evitar que su hijo quede ciego siendo un niño. En este contexto sucede esta primera escena. La canción se llama I´ve seen it all (lo he visto todo) y fue nominada a los premios de la academia como mejor canción, y, a mi juicio, debió haber ganado ese año.

Ahora les presento el final de la película. Lars von Trier es un director que sabe hacer que el espectador se relacione con sus personajes, y la muerte de Selma es injusta e inesperada. Esta es una de las escenas más desgarradoras que alguna vez he visto. Si tienen a Dancer in the Dark como alguna de sus películas en cola de espera para ver, salten la escena a continuación. No es lo mismo saber que muere a saber como muere. Es una película brillante y oscura, algo que debe esperarse de Lars von Trier, de quien seguramente haré otro post para hablar de Dogville y Nicole Kidman. Lloren con lo que sigue (es una escena impactante... no digan que no lo advertí).

Dr. Strangelove

Stanley Kubrick es, tal vez, el mejor director de cine de todos los tiempos. Disculpen si este comentario ofende a alguien, hay gente que se toma muy a pecho el cine (yo soy uno de ellos) y decir que "alguien" es el mejor director de todos los tiempos siempre produce un conflicto que tarda de cinco a siete años en apaciguarse sin llegar nunca a un veredicto o acuerdo respecto al tema. Debería decir, para reivindicarme, "creo que Stanley Kubrick es uno de los mejores directores de cine de todos los tiempos". No he visto todas las películas de Stanley Kubrick. Hay algunas que me parecen aburridas y lentas, otras me parecen demasiado densas, pero son pocas las que me han dejado una mala opinión, aún asi recuerden que todo el mundo tiene derecho a cometer errores, por ejemplo Steven Spielberg grabó "la terminal" (y muchas otras películas malas), Ridley filmó "Gladiator" y James Cameron dirigió "Titanic", tres ejemplos de las peores películas más taquilleras del cine. Estoy seguro que ninguno de ellos considera que sus elecciones han sido malas, solamente es mi opinión de su trabajo. Pero volvamos con Stanley.

El año: 1964. La película: "Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb" (Doctor Strangelove o: como aprendí a dejar de preocuparme sobre la bomba y empecé a amarla). El actor: Peter Sellers. Esta es una de las mejores películas alguna vez filmada. No profundizaré en los detalles de la filmación y la producción. Lo que comentaré es que Peter Sellers hizo tres papeles diferentes. En la escena que verán, hizo el papel del presidente de los Estados Unidos y del excéntrico Dr. Strangelove, pero en la película completa hizo un papel más. Esta es una de esas comedias que no da risa, y cuando comienza el final, te das cuenta que no puedes parar de reir. Pero la risa tiene un trasfondo oscuro. La máquina del fin del mundo, un dispositivo ideado por los rusos que destruiría al mundo en una guerra nuclear si algún ataque de destrucción masiva se realizara sobre Rusia, comenzó a trabajar accidentalmente y la destrucción del mundo acaba de empezar. El doctor Strangelove es un consejero del gobierno de los Estados Unidos que antes perteneció al gobierno Nazi y en este momento le da al presidente su opinión de los eventos, junto con su consejo. El propone un plan de segregación racial y social, un plan de supervivencia de la raza humana que en su concepción es muy útil pero es muy parecido a los ideales Nazis. Luego sus planes pasan por diferentes teorías, y termina describiendo nuevamente la naturaleza humana de la guerra y la dominación. Todo esto en un acento absurdamente exagerado y con una mano que no le obedece, sino que intenta estrangularlo y desea liberarse para permanecer nazi para siempre.

Para la película, Peter Sellers usó mucho de su improvisación, y seguramente en esta escena la improvisación fue importante. Puede verse al fondo al canciller Soviético observando el discurso de Strangelove y en una parte casi empieza a reir, y como le cuesta contener la risa. Creo que los actores de esa escena estaban sufriendo enormemente pues Peter Sellers estaba haciendo una de sus mejores improvisaciones.

Puedo extenderme horas hablando de esta escena. Simplemente la he visto demasiado. Esta película fue nominada a varios premios de la Academia, incluyendo mejor Actor, Mejor director y mejor película.

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Alien (El octavo pasajero)

Riddley Scott dirigió magistralmente a Sigourney Weaver en esta película que tiene mas de 30 años. Es, sin lugar a duda, una obra maestra del cine de ciencia ficción, suspenso y terror. Personalmente, detesto el cine de terror. Por lo general no hay ideas nuevas, las escenas son predecibles y ya ni siquiera vale la pena criticarlas, pues las mayoría de las escenas que "asustan" en el cine de terror lo hacen gracias a la receta básica de impulso de música, luz e imagen mal enfocada en un acto de sorpresa (entre las detestables peliculas de terror están Saw en cualquiera de sus versiones, Nightmare on elm street, Friday the 13th y casi cualquier película de terror que pasa por el cine, todo el mundo tiene el derecho de gustar de las películas malas, por algo las filman).

Alien, el octavo pasajero no es una de esas películas malas. Es un thriller sicológico, una película novedosa para su época que enfrenta a seres humanos a un monstruo más allá de lo natural pues no es terrestre. No es sobrenatural, simplemente no es terrestre. La película juega con el encierro y la falta de recursos para combatir una calamidad mayor.

Siete personas están en una nave espacial, hacen una exploración a un planeta y uno de ellos resulta atacado por un animal extraterrestre que se le fija al rostro y lo deja inconsciente, plantándole en la parte interior de su cuerpo el verdadero alienígena que los depredará uno por uno.

Cuando vi esta película por primera vez yo tenía tal vez 6 o 7 años de edad y la vi por televisión. La película ya tenía bastantes años de haber sido estrenada, y ya había sido estrenada la segunda parte. Yo estaba fascinado y aterrado. Si, cierto que un niño de esa edad no debía estar viendo películas de terror, pero todos los niños saben cambiar de canales el televisor y los padres no siempre pueden vigilar lo que uno ve. Mi hermano mayor la vió conmigo. Ahora me pregunto si él pudo dormir. Durante días estuve sin poder dormir, dormía con las manos sobre mi abdomen o boca abajo, esperando poder detener al Alien que yo creía que iba a salir de dentro de mi cuerpo. Si, yo tenía muy buena imaginación. Cuando crecí entendí mucho de la ficción y la ciencia ficción, pero eso nunca tuvo el poder de quitarle a Alien ese tono espantoso, donde el monstruo nace de la raza que va a destruir.

El diseño de Arte de la película, los pasillos de la nave, la anatomía del monstruo, la sensación de encierro son brillantes. Hay mil escenas de Alien, el octavo pasajero, que me hubiera gustado publicar, pero haciéndole honor a mi terror infantil, aquí la escena que me marcó hace más de 20 años. Todavía la veo y es impactante. Espero que a ustedes les produzca el mismo efecto que a mi.

El tigre y el dragón

El tigre y el dragón es una película china dirigida por el director Chino-Americano Ang Lee, del género de película china tradicional, que incluye acción y artes marciales, como esas de las que todo el mundo alguna vez ha visto. Solo que Ang Lee había hecho carrera en Europa y Estados Unidos, y esta película tendría impacto de taquilla a nivel mundial, no solo en China. Las actuaciones de Chonyung Fat, Michelle Yeoh, Zang Ziyi la hacen excelente, al igual que las secuencias de acción que la componen. No está basada en the matrix, todo lo contrario, a pesar de que The Matrix es anterior a El Tigre y el Dragón, el género antecede y es uno de las fuentes de inspiración para los hermanos Wachowsky.

La película narra una historia de codicia infantil asociada a un arma que utilizada en las manos adecuadas hacía a su portador prácticamente invencible. Zhang Ziyi es la ladrona, la que desea vivir aventuras, la que desea explorar el mundo como en las novelas de caballería. Obviamente, su decisión produce mucho daño.

Desde mi punto de vista, la película trasciende a su género por la fotografía y la cinematografía particular. Cada escena de pelea está planificada con absoluto detalle, y cada enfrentamiento es un baile muy armónico que entrelaza las personalidades de cada personaje con la pelea.

El segmento corresponde a la pelea de Shu-Lien (Michelle Yeoh) contra Jen (Zang Ziyi) en una escena que creo que todos disfrutamos por igual en el cine y que marcó la resurrección del genero en América.

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